Breve Análise da Poesia de Machado de Assis, por Rafael Vespasiano.

Breve Análise da Poesia de Machado de Assis

(Rafael Vespasiano)

“A trajetória de Machado de Assis na Literatura perpassou quase todos os gêneros literários -, romances, contos, crônicas, teatro, poemas e crítica literária -, no entanto para Massaud Moisés (2009, p. 82) foi na prosa de ficção que realizou suas maiores obras-primas, o debate vai longe se seus melhores trabalhos se deram como contista ou como romancista, de certo produziu vários clássicos da Literatura Brasileira e universal nos dois gêneros.

A poesia, ainda para o crítico literário Massaud Moisés, foi um “rasgo de juventude”, que durou aproximadamente vinte anos desde o primeiro poema datado de 1855, até 1875, com a publicação de Americanas, quando se despede dos arroubos da juventude, espécie de ‘imaturidade’ literária para iniciar a criação de sua obra madura, a partir de 1881, ano que veio a luma o romance Memórias Póstumas de Brás Cubas.

Como nos afirma ainda o crítico Moisés: não foi plenamente poeta, “porque a sua produção em versos não progrediu conforme os passos da narrativa. Estacionada na década de 1870, não atingiu os níveis da prosa, assinalando, como tudo da fase inaugural, pelo timbre dum romantismo moderado” (2009, p. 82). Porém, sua cosmovisão não é ‘poética’, ao contrário, Machado cultiva a metáfora filosófica, racional e irônica, resistindo a entregar-se à contemplação do eu-lírico, raramente extravasado o sentimento que o inunda se faz notar em seus poemas. 

Machado, dessa maneira, pode-se afirmar que escreveu poemas que se notabilizam pelo bom gosto, cultura, porém sem a autenticidade da verdadeira poesia. Versos bem-comportados, contidos, fruto mais da razão do que da emoção, perfeitos formalmente e parnasianos na métrica e no rigorismo formal. Mas quando ultrapassou o conter-se criou o melhor de sua lírica, exemplos são os poemas “A Carolina”, “Versos a Corina”, “A Mosca Azul”. No entanto, ainda assim mesmo nessas composições mais densas de emoção romântica e lírica, fica-se preso ainda às ideias parnasianas do moralismo ou filosofismo nem sempre compatíveis com a realidade lírica daqueles poemas, e volta o escritor a ‘lapidar’ o seu estilo de maneira estéril, com uma versificação que tortura as emoções expressas nos poemas, tudo em nome de uma concepção que se aproxima mais dos clássicos.

O que se depreende que Machado de Assis em sua poesia tem algum lirismo romântico dos modelos do Romantismo, mas nela já se antecipava o Parnasianismo, no que se refere a perfeição formal e marmórea dos versos aliada à impassibilidade. Vejamos o livro Americanas eco mais que tardio e distante da poesia indianista de Gonçalves Dias. Porém este eco é quase que inutilizado pelo culto ao estilo e pelo conter-se ao rigor formal de versificador cerebrino.

O livro Falenas possui longos poemas narrativos com claras inspirações dos mitos da literatura clássica. Já o livro Crisálidas apesar de um título sugestivo e metafórico não se realiza como poêsis emotiva e-ou imaginativa. Nestes dois livros tem-se uma poesia com uso desmesurado das descrições. As figuras de linguagem que o escritor mais usa são as enumerações, as prosopopeias e usa também as maiúsculas alegorizantes típicas do Parnasianismo e sua Musa em busca do Belo, ou seja, da inspiração e da perfeição formal. ”

Anexos:

“A MOSCA AZUL”

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Era uma mosca azul, asas de ouro e granada,
Filha da China ou do Indostão.
Que entre as folhas brotou de uma rosa encarnada.
Em certa noite de verão.

E zumbia, e voava, e voava, e zumbia,
Refulgindo ao clarão do sol
E da lua — melhor do que refulgiria
Um brilhante do Grão-Mogol.

Um poleá que a viu, espantado e tristonho,
Um poleá lhe perguntou:
— "Mosca, esse refulgir, que mais parece um sonho,
Dize, quem foi que te ensinou?"

Então ela, voando e revoando, disse:
— "Eu sou a vida, eu sou a flor
Das graças, o padrão da eterna meninice,
E mais a glória, e mais o amor".

E ele deixou-se estar a contemplá-la, mudo
E tranqüilo, como um faquir,
Como alguém que ficou deslembrado de tudo,
Sem comparar, nem refletir.

Entre as asas do inseto a voltear no espaço,
Uma coisa me pareceu
Que surdia, com todo o resplendor de um paço,
Eu vi um rosto que era o seu.

Era ele, era um rei, o rei de Cachemira,
Que tinha sobre o colo nu
Um imenso colar de opala, e uma safira
Tirada ao corpo de Vixnu.

Cem mulheres em flor, cem nairas superfinas,
Aos pés dele, no liso chão,
Espreguiçam sorrindo as suas graças finas,
E todo o amor que têm lhe dão.

Mudos, graves, de pé, cem etíopes feios,
Com grandes leques de avestruz,
Refrescam-lhes de manso os aromados seios.
Voluptuosamente nus.

Vinha a glória depois; — quatorze reis vencidos,
E enfim as páreas triunfais
De trezentas nações, e os parabéns unidos
Das coroas ocidentais.

Mas o melhor de tudo é que no rosto aberto
Das mulheres e dos varões,
Como em água que deixa o fundo descoberto,
Via limpos os corações.

Então ele, estendendo a mão calosa e tosca.
Afeita a só carpintejar,
Com um gesto pegou na fulgurante mosca,
Curioso de a examinar.

Quis vê-la, quis saber a causa do mistério.
E, fechando-a na mão, sorriu
De contente, ao pensar que ali tinha um império,
E para casa se partiu.

Alvoroçado chega, examina, e parece
Que se houve nessa ocupação
Miudamente, como um homem que quisesse
Dissecar a sua ilusão.

Dissecou-a, a tal ponto, e com tal arte, que ela,
Rota, baça, nojenta, vil
Sucumbiu; e com isto esvaiu-se-lhe aquela
Visão fantástica e sutil.

Hoje quando ele aí cai, de áloe e cardamomo
Na cabeça, com ar taful
Dizem que ensandeceu e que não sabe como
Perdeu a sua mosca azul.

“A CAROLINA”

Querida, ao pé do leito derradeiro

Em que descansas dessa longa vida,

Aqui venho e virei, pobre querida,

Trazer-te o coração do companheiro.

Pulsa-lhe aquele afeto verdadeiro

Que, a despeito de toda a humana lida,

Fez a nossa existência apetecida

E num recanto pôs um mundo inteiro.

Trago-te flores, - restos arrancados

Da terra que nos viu passar unidos

E ora mortos nos deixa e separados.

Que eu, se tenho nos olhos malferidos

Pensamentos de vida formulados,

São pensamentos idos e vividos.

Referências Bibliográficas:

ASSIS, Machado. Crisálidas, Falenas, Americanas. São Paulo: Globo, 1997.

MOISÉS. Massaud. História da Literatura Brasileira – volume II – Realismo e Simbolismo. 2 ed. São Paulo: Cultrix, 2009.

Raymond Chandler: Não há crimes nas montanhas e outros contos de suspense

Cinco contos de suspense, detetives particulares criados por Raymond Chandler, um dos mestres do ‘private eye’. Momentos de tensão e até de violência física pesada para a época em que os contos foram publicados nos EUA, anos 1920-1930. Três detetives cada um com suas particularidades, John Evans, Carmandy e Stephen Stracey. Boa leitura para quem gosta do gênero 'detetives particulares', com tom 'noir'.

Não Há Crimes nas Montanhas e Outros Contos de Suspense é uma coletânea de cinco contos: três com o detetive Carmandy, “A Cortina”, “Procurem a Garota”, e “O Homem que Gostava de Cachorros”; um com Steve Grayce, “O Rei de Amarelo”, outro com John Evans, o conto que dá título a coletânea.

Como muitos críticos literários afirmam, por exemplo Massaud Moisés, todo conto que se preze tem que ter diálogos ágeis e umas boas doses de descrição do ambiente, é o que Chandler faz com naturalidade em todos os contos compilados. Narrativas curtas e até um pouco mais longas mais sempre com um núcleo narrativo e sempre pelo ponto de vista dos detetives. Ora com narrador em primeira pessoa (a maioria dos contos), ora as histórias são narradas em terreira pessoa.

Por fim um detalhe interessante é que Leonardo Padura em seu magistral romance O Homem que Amava os Cachorros, mas recheado de personagens históricas tais como Trostky e Stálin, faz uma intertextualidade com “O Homem Gostava de Cachorros”, conto protagonizado por Carmandy, que faz parte desta coletânea ora resenhada.

Referências Bibliográficas:

CHANDLER, Raymond. Não há crimes nas montanhas e outros contos de suspense. Tradução de A. B. Pinheiro de Lemos. Rio de Janeiro: BestBolso, 2008.

  MOISÉS, Massaud. A criação literária. 6 edição, revista. São Paulo: Edições Melhoramentos, 1972-1973.

PADURA, Leonardo. O homem que amava os cachorros. 2 edição. Boitempo, 2015.

O Cantor de Jazz (Alan Crosland, EUA, 1927) e os Primeiros Filmes Falados:

O Cantor de Jazz (Alan Crosland, EUA, 1927) e os Primeiros Filmes Falados:

                                                              Poster.

O filme dirigido por Crosland estreou na cidade de Nova York, inaugurando a era sonora, porém o primeiro longa-metragem totalmente falado foi Luzes de Nova York, de Bryan Foy, que foi lançado em Nova York, em 1928. Ele foi um fiasco de críticas, mas sucesso de público, arrecadou em sua primeira semana de exibição 47 mil dólares.

Mas já em 1921, D. W. Griffth fracassou com sua obra Dream Street, que originalmente foi lançado como filme mudo e em versão sonorizada dias depois de sua estreia oficial.

Já na Inglaterra, em 1929, Alfred Hitchcock lançou seu décimo-segundo filme como diretor, Chantagem e Confissão, que originalmente era para ser lançado como filme mudo para foi sonorizado, hoje existem as duas versões.

Em 1930, na Alemanha Josef von Sternberg nos entrega sua obra-prima, O Anjo Azul, protagonizado por Emil Jannings e Marlene Dietrich. É o primeiro filme falado de Sternberg. Em 1931, Pabst adapta o texto de Bertolt Bretch, A ópera dos três vinténs, com elencos diferentes para suas duas versões, uma em língua alemã, outra de língua francesa. M., de Fritz Lang, é o primeiro filme falado deste cineasta, lançado em 1931, o filme poderia usar o ‘som’ em 100% do filme, mas para redução de custos foi utilizado em apenas dois terços da película. O uso da narração, contudo, tornou seu clímax angustiante e foi inovador à época, o mesmo efeito não se obteria com o uso de intertítulos à hora do tribunal a julgar Peter Lorre.   

Já na França, também no ano de 1930, René Clair realiza o musical, Sob os tetos de Paris, primeiro exemplar do cinema francês falado a alcançar sucesso mundial.

O Cantor de Jazz é estrelado por Al Jolson e foi lançado nos EUA em 23 de outubro de 1927, produzido pela Warner Bros. O improviso de Jolson “Você ainda não ouviu nada”, frase pronunciada na canção, Dirty hands, Dirty face, interpretada por Jack Robin, originalmente um Cantor de cânticos litúrgicos judeus, ao menos este era o desejo de seu pai Rabinowitz, porém o jovem Jackie tem a alma e as lágrimas na voz do Jazz, porém, o Jazz não é bem o JAZZ que conhecemos hoje, nos filmes da época são baladas sentimentais e apresentações à moda antiga, vale lembrar que o negro  não  tinha protagonismo à época, por isso os  cantores de Jazz dos filmes, assim como Al Jolson se pintavam de preto.

O filme de Crosland só sincronizou a voz e as canções, mas com o improviso citado iniciou-se o “Cinema Falado”. Muitos acreditavam que este diminuiria a arte cinematográfica, assim como a fotografia preto-e-branco substituída pela colorida causaria um efeito destruidor para a Sétima Arte. Isso não aconteceu, esta sobrevive com outras experimentações e até hoje dilemas mais apocalípticos nos dias de hoje, no século XXI.   

O primeiro filme sonoro comercial na verdade estreou em 1926, quando a Warner Bros, lançou Don Juan, usando o sistema Vitaphone. Dirigido também por Crosland, era um filme de capa e espada, com John Barrymore.

Mais foi mesmo com O Cantor de Jazz, de Alan Crosland que tornou o cinema falado uma realidade totalmente irreversível para a Sétima Arte. Embora não seja realmente um filme falado, há trilha sonora, mas com apenas duas sequências com diálogos falados, no mais os diálogos são representados com os tradicionais intertítulos do cinema mudo. Porém, o segredo do sucesso são justamente estas duas cenas.

Portanto, e segundo o produtor Darrly O. Zanuck: “O Cantor de Jazz trouxe o som, [já] Luzes de Nova York trouxe diálogos. Depois disso, tudo mudou. ”   

                                                               Al Jolson.

Me chame pelo seu nome (Luca Guadagnino, ITA, FRA, BRA, EUA, 2017):

                                                         Luca Guadagnino.

As descobertas da vida vão além das primeiras experiências sexuais, a Vida assim como as águas de um rio não são mais as mesmas quando voltam a passar pelo mesmo lugar que passaram outrora, além do mais: este lugar continua o mesmo?

Em Me chame pelo seu nome, as reflexões de Heráclito são válidas e óbvias, o que chama atenção também é a questão da alteridade entre as personagens de Oliver (Armie Hammer) e Elio (Timothée Chalamet) que a partir da chegada daquele saí da harmonia de seu Cosmos, para um Caos que pode ser negativo a priori, porém a construção da alteridade entre as duas personagens nos leva a constatar que o repetível do universo é justamente o não-repetível de cada situação e cada ente.

                                                                     Poster.

Elio aparentemente frágil é um mostra-se corajoso na construção de sua personalidade que não finda ao cabo da trama, pois a Vida e a elaboração da persona constrói-se a cada momento, a Vida é vivida a gritos e murmúrios, ao invés de sufocar no silêncio do não-vivido.

                                                   Timothée Chalamet (cena do filme).

Me chame pelo seu nome, lançado em 2017, é um brilhante filme dirigido pelo cineasta italiano Luca Guadagnino, premiado no Festival de Berlim, tornou-se uma obra multipremiada em diversos festivais e nomeada ao Oscar 2018, no qual ganhou o prêmio de melhor roteiro adaptado para James Ivory, baseado no romance de André Aciman.  Destaca-se também por duas belas canções Mystery of Love e Visions of Gideon.  

                                                                  Cena do filme.

O Formidável (Le Redoutable, 2017): Godard e a desconstrução do mito.

"O Formidável (Le Redoutable) não é uma cinebiografia, nem se trata de uma comédia-romântica ou dramática, muito menos é um mero drama é, na verdade, uma obra fílmica a dialogar com o Cinema. Em especial o Cinema de Monsieur Godard. Um filme para todos os públicos, que pode ser mais interessante para quem já conhece o cinema de Jean-Luc Godard, mas mesmo quem não o conhece ainda, pode deslumbrar-se com um filme muito convincente a ponto de querer desvendar o cinema do realizador franco-suíço.

Michel Hazanavicius ganhou um Oscar por sua obra O Artista e, em O Formidável, de 2017, nomeado a Palma de Ouro em Cannes, rende tributo ao desconstruir a figura já mítica de Godard vivido por um talentoso Louis Garrel que nos dá um Godard fascinante e ao mesmo tempo repulsivo. Um cineasta de muitas ideias, a principal de que cinema é política e assim sendo revolução constante.

Interessante notar que Godard é um cineasta profícuo, que filma até hoje, com seus quase 90 anos, porém o filme também não é um documentário clássico, porém uma obra de ficção, a cobrir desta forma um pequeno arco da vida e obra de Godard: depois do seu divórcio com Anna Karina, a produção do seu mais novo trabalho, A Chinesa (1967), o seu casamento com Anne Wiazemsky e os acontecimentos subsequentes que transcorreram nos anos de 67 e 68, que foram agitadíssimos no mundo e não poderia ser diferente também foram conturbados na França, marcada por uma agitação política e cultural singular.

    Vale ressaltar, enfim, que o filme é interessante por ser uma obra metalinguística, cheia de simbolismos e sugestões, assim é o melhor da arte de Godard, contudo o cinema de JLG é um capítulo à parte na História do Cinema, ou seja são outras História (s) do Cinema."

“Mercado Humano”, Anthony Mann, EUA, 1949: a desesperança do homem pelo homem.

“A temática de “Mercado Humano”, Anthony Mann, EUA, 1949, é tão atual e gritante, em pleno século XXI, qual seja: a coisificação do homem, a escravidão, a questão das fronteiras entre EUA e México e os imigrantes ilegais. Um filme que por estas questões já é atual, mas torna-se um clássico noir, e vai além dos gêneros, pois é uma verdadeira aula de cinema de Mann que demostra como narrar e como fotografar no cinema: a cena do trator é ímpar.

Acho que não é necessário discutir ciclos na obra de Anthony Mann, se ele era maior diretor de faroestes ou de noir, o que importa que ele é um gênio indiscutível da Sétima Arte, portanto, sua obra merece sempre ser vista e revista.

Desesperança este é o estado d´alma sugerido pela obra “Mercado Humano”, e a melancolia vem como resultado de cada plano e de cada close deste filme ímpar na história do cinema. ”

                                                            Anthony Mann.

                                                      Mercado Humano.

Ouro e Maldição (Greed, Erich von Stroheim, EUA,1924)

“Ouro e Maldição (1924) é um filme importantíssimo para a História do Cinema, muitos críticos consideram a obra-prima de Erich von Stroheim. Um filme que apesar das várias mutilações sofridas por parte do estúdio MGM -, von Stroheim concebeu sua obra para ter a duração de quase 10h e o produtor Irving Thalberg, obrigou seus subordinados a “editarem” Greed em menos de 3h, mais precisamente 2h 10. O que o cineasta desaprovou e nunca aceitou ao longo de sua vida, afirmando que acabaram com sua obra e não reconhecia mais seu trabalho em Ouro e Maldição, tanto que nunca chegou a ver a versão vinculada pelo estúdio nos cinemas à época.

Apesar de o filme ter sido restaurado, em 1999, para quase 240min, 3h 59, sua versão original e idealizada por von Stroheim só foi exibida uma única vez, portanto sua versão original de 9h30 é hoje considerada perdida. O longa foi considerado pelo crítico estadunidense Roger Ebert como a "Vênus de Milo" do Cinema. Um trabalho que, ainda que absurdamente mutilado, ainda assim permanece memorável e ímpar na História do Cinema. Para completar esta questão trágica da mutilação dos originais do filme, vale citar a frase de outro pesquisador Rick Schmidlin, que restaurou o filme para a versão de quase 4h: “o material perdido tem sido chamado de 'O Santo Graal' do Cinema. O que nós tentamos fazer foi uma reconstrução da narrativa perdida que Erich von Stroheim originalmente pretendeu contar".

Ouro e Maldição é referência direta e/ou indireta para diversos filmes que abordam a questão da ambição e da ganância seja por status social, ouro, fama e/ou poder. Ouro e Maldição é a adaptação do romance "McTeague", de Frank Norris, escritor estadunidense, influenciado pelo estilo naturalista de Émile Zola. Uma das características mais fortes do romance de Norris, transpostas fielmente para o filme, é a recorrência de alguns traços do Naturalismo-científico do século XIX, como a inalienável força da hereditariedade, o poder determinista também dos instintos do sexo e da violência, as precárias condições de vida das classes mais baixas, esta questão é facilmente perceptível no enredo do filme, em relação aos mineradores, referência clara do livro de Norris ao romance “Germinal”, de Zola.

 Fiel ao ultrarrealismo preconizado no romance de Frank Norris, Erich von Stroheim exigiu que as filmagens fossem feitas nas próprias locações mencionadas no romance e, na busca por uma adaptação o mais fiel possível, descartou o uso de um roteiro adaptado e procurou filmar todo o livro, página a página.  

Depois de trabalhar por um bom tempo no ramo da mineração, John McTeague se muda para a Califórnia, onde passa a trabalhar ilegalmente como dentista e casa-se com Trina, prima de seu amigo Marcus, também interessado nela. Quando, Trina ganha cinco mil Dólares na loteria, o que era pra ser um episódio para ser comemorado termina sendo o estopim de uma série de eventos que viriam a destruir o matrimônio, a carreira e, por fim, a vida de todos os três protagonistas do enredo, influenciados pela ambição pelo ouro.

O cineasta emprega alguns recursos narrativos em Ouro e Maldição, tanto na montagem, quanto nas imagens sobrepostas, que são interessantes. Ao longo do filme, Stroheim utiliza um casal de canários amarelos como forma simbólica e sugestiva da ambiência do lar de Trina e McTeague.

Stroheim realizou um dos filmes mais influentes e fortes do Cinema, aparentemente, o roteiro preso às situações simples e corriqueiras da vida, porém, por outro lado e por isso mesmo, faz pensar em situações e em questões das mais existenciais e filosóficas possíveis, tais como: o desejo por riqueza preso às pessoas -, diversas pessoas arriscavam suas vidas em minas de minério e petróleo, num misto de aventura, barbárie e ambição. No filme, percebe-se o interesse dos protagonistas em crescer em status social, porém, numa avareza hiper-realista, que os perturba, os deforma e os destrói para si mesmos, inconscientemente, e, também para a família, para a sociedade e para um espectador que assiste a tudo num crescente de compaixão e terror ante à tragédia que se delineia para McTeague, Trina e Marcus. ”